Naoko Yasue, Eliane Defibaugh, Lisa Krivitzky, Pau Catà y Teresa Baltasar Foto: Dolores García

Uno de los placeres de visitar exposiciones como la que hasta el 8 de julio se puede ver en Les Quintanes, que recoge la obra de tres artistas residentes en el CeRRCa, es comprobar como el arte es una fusión de las emociones y experiencias de cada artista, moduladas por sus capacidades técnicas.



La muestra recoge tres maneras de ver el arte muy diferentes y a la vez muy interesantes.

Naoko Yasue Foto: Dolores García

Naoko Yasue es japonesa,  y convierte cada una de sus obras en una página de un diario personal, de tal forma que se transforman en instantes personales, genuinos y vitales. Y es esta vitalidad la que capta, sin ningún esfuerzo, quien las contempla, como puede experimentarse simplemente mirando los cuadros que aparecen en la fotografía, así como la diferente factura de los mismos.

Lisa Krivitzky Foto: Dolores García

Lisa Krivitzky es australiana y posee una alegría contagiosa y una gran capacidad para la observación y el detalle.  El desarrollo de las obras que presenta, en vidrio, hechas con la técnica del fusing,  están basadas en una planta, la ruda (planta a la que que desde muchos siglos se le atribuyen dotes mágicas y protectoras, así por ejemplo los magistrados romanos llevaban unas ramitas de ruda cuando tenían que estar en contacto con los condenados, para evitar el mal de ojo)

Eliane Defibaugh Foto Dolores García

Eliane Defibaugh divide su tiempo entre Nueva York y Miami; y realiza obras de gran formato, con una dualidad creativa ya que están pintadas con luz natural y con luz negra a la misma vez, es decir, según se vean iluminadas de una o de otra forma el cuadro muestra un resultado diferente. Es un trabajo exigente, técnicamente complejo y absorbente.  Pero en ambos casos sus creaciones desprenden fuerza, energía y optimismo.


Las obras que conforman la exposición son creaciones realizadas durante su estancia en Llorenç del Penedès, y por tanto son la consecuencia de la interrelación con el pueblo (tanto el paisaje natural como el creado por la mano humana)  y sus gentes.

Las piezas de vidrio se han realizado contando con la colaboración de Josep Sadurni artista vidriero local.

Del 1 al 10 de mayo se pondrán adquirir en  E-Bay, los retratos de Messi, Xavi, Iniesta Piqué y Puyol, el destino de los fondos se destinará a la Fundació FCBarcelona.

Los retratos han sido creados por Craig Redman  y pintados por los propios jugadores, que participaron en una improvisada clase de arte antes de dar colorido a los originales diseñados por Redman.


El proyecto ha sido puesto en marcha por Turkish Airlines, uno de los partners del FCBarcelona, que lo ha titulado  “Passenger Portraits” (Retratos de Pasajeros) y pretende relacionar arte y fútbol. Esta misama compañía aérea ha hecho la misma propuesta al Manchester United y  en paralelo harán la subasta de los retratos de sus jugadores, e igualmente los fondos serán para la fundación de este club inglés.

Silvia Vaquero junto a una representativa obra de Josep M. Gual. Fotografia: Dolores García Martínez

Dentro de las actividades que cada mes organiza el Patronat Municipal de Serveis Culturals titulada genèricamente  “Parlem d’Art”, este mes de abril se ha realizado una visita guiada a la muestra que a la Sala Portal del Pardo sobre la primera etapa de la vida artística de Josep M. Gual i Barnadas, de la mano de Silvia Vaquero Martín.









Josep M. Gual Barnadas nació en El Vendrell el año 1927 y murió el pasado año 2011 también en El Vendrell.

Un cuadro de la primera época de Josep M. Gual Fotografía Dolores García Martínez

Silvia Vaquero inició la visita haciendo un breve resumen de la biografía del autor, destacando su cualidad de creador polifacético porque era dibujante, pintor, ceramista, escultor, diseñador gráfico y escenógrafo, un aspecto este último que se evidenciará en la evolución de su obra, en la manera de plasmarla, incluso en la pintura.  Respecto a su formación Gual estudió en la Reial Acadèmia de Belles Arts Sant Jordi y fue discípulo de Lluís Muntaner y de Ernest Santasusagna.

Detalle ampliado de un pié de lámpara en cerámica realizado  por Josep M. Gual Foto: Dolores García Martínez

Su relación con la cerámica será la vertiente que le hará más conocido;  experimentando y realizando diseños diferentes a los propios del modernismo integra igualmente la cerámica en el entorno arquitectónico. Esta última faceta como ceramista estuvo muy ligada con la fábrica de cerámica Vídua Llansà  o Cal Coll, que estableció en los años setenta un departamento de cerámica artística donde Gual pudo crear piezas de gran medida e interés.

Los peces son un motivo recurente en Josep M. Gual Fotografia: Dolores García Martínez

En contacto con el mundo de las artes gráficas, diseñará también diversos programas de las fiestas del Vendrell.

Así mismo diseñará también la escenografía de Els Pastorets, con percepción en tres dimensiones y un marco dorado que causaba el efecto óptico de estar viendo un diorama.




La línea argumental de la exposición que se dividia entre las salas del Portal del Pardo y el Museu Deu, parte de un artículo que en el año 1966 escribió
Josep Maria Inglès, historiador y amigo de Gual, titulado "La Trayectoría Artística en el Espacio y el Tiempo de Josep Maria Gual: Notas Sobre Nuestro Artista".

Detalle del proyecto de un mural para una iglesia. Fotografía: Dolores García Martínez

La exposición es el fruto de un gran trabajo de investigación con Silvia Vaquero y Ció Pallarès como motores de la misma,  y ha logrado reunir un buen número de piezas de colecciones particulares para ser exhibidas.

Josep M. Gual es un artista poco reconocido, marcado en parte por su ideología política y religiosa, que no deberían ser un inconveniente para valorar la calidad de su trabajo y de su aportación a la vida cultural y creativa del Vendrell.




Una parte de su obra, la que corresponde a su última etapa se encuentra aún expuesta en el Museu Deu i se podrá visitar hasta el 29 de julio.

Esta exposición reúne obras de Joan Descals (pintura); Camil·la Pérez (cerámica); Josep Sadurní (fusing); Nati Soler (poemas) y Linus Urpí (fotografía) que tienen como nexo común los poemas de Salvador Espriu del mismo título.

La exposición se inaugurará el próximo domingo dia 22 y permanecerá abierta hasta el 6 de mayo.







Todos los autores, relacionados con el Penedès, aportan una visión diferente y complementaria, con una gran diversidad de tratamientos, ofreciendo la posibilidad que los visitantes puedan experimentar la diversidad creativa a partir de un concepto común.

El horario de visitas es de lunes a jueves de 17 a 20 horas. La sala donde se exhibe es la de la Casa de Cultura. Calle Mestre Gonález, 6

Nota: El fusing es una técnica para crear vitrales con un horno microondas.

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Foto: Dolores García Martínez (llum ambient sense flash)

Entre las actividades culturales que hay que destacar para estos días se encuentra esta muestra de la interpretación que los alumnos de 5º curso de la Escuela "Les Cometes" han realizado a partir de la obra de Koldo Sebastian "Calignometrias", a partir de la utilización de los tres mismos colores que él ha utilizado en todas las piezas que la componen. Estos jóvenes adolescentes que han participado en el Taller de Arte, han podido experimentar su vertiente creativa y también las sensaciones que pueden tener los autores de obras de arte al poder comprobar la reacción del público delante de su obra.

Se puede visitar en Les Quintanes - Calle Casa Mas, 1

Foto: Dolores García Martínez (llum ambient sense flash)

Como ya es tradicional se pueden contemplar y también adquirir, estos puntos de libro pintados a mano por diversos autores de los que han participado en las exposiciones de arte de Las Quintanas. Por unos cinco euros se puede disponer de una pequeña obra de arte, que también puede servir como pequeño cuadro, ya que son de gran calidad.


Comprate espacio con la muestra de cerámica de Roser Oter, por lo cual se pueden visitar las dos a la misma vez.

Foto: Dolores García Martínez (llum ambient sense flash)

 Les Quintanes - Carrer Casa Mas, 1 - Llorenç del Penedès.
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Obras de Ramón Casas Foto: Dolores García, con iluminación ambiente sin flash

La colección que Santiago Rusiñol ealitzó de las obres de algunos de sus compañeros y amigos,  como Ramon Casas,  Ramon Pichot, Ignacio Zuloaga, Miquel Utrillo, Carles Casagemas, Guillem Ferrer, Dario de Regoyos, Lluïsa Denis de Rusiñol, o Pere Ferran Icart entre muchos otros es la base de esta exposición, que también incluye obras de Santiago Rusiñol.

La exposición se inauguró el pasado viernes con una gran afluencia de público que no se quería perder la oportunidad de gozar siendo los primero en ver desde una perspectiva diferente estas obras que antes se encontraban expuestas en el  Cau Ferrat (hoy en restauración).

El acto inaugural corrió a cargo de Vinyet Panyella Directora Gerente del Consorci del Patrimoni de Sitges. (enllaç al seu discurs inaugural en català) (al pié está la traducción en castellano)

Gitana de Albaicin de Santiago Rusiñol Foto: Dolores García, con iluminación ambiente sin flash.

El Cau Ferrat fue la residencia de Santiago Rusiñol en Sitges, una residencia temporal, que se convirtió en el testimonio físico de su relación con la población, ya que el pintor la dono a la villa, junto con las colecciones que contenía.

La exposición estará abierta hasta el 25 de noviembre.
Horario:
Hasta el  30 de junio:
De martes a sábado de 10 a 14 y de 15,30 a 19 horas
Domingos y festivos de 11 a 15 horas
De 1 de julio a 30 de setiembre
Martes a Domingos, también festivos; de 11 a 20 horas
De 1 de octubre a 25 de noviembre
De martes a sábado de 10 a 14 y de 15,30 a 19 horas

Una muestra en la que se exhiben algunas de las obras más significativas de la colección de pintura que reunió Santiago Rusiñol.

La exposición se inaugurará el próximo viernes día 30 de marzo y se podrá visitar hasta el 25 de noviembre de 2012.

Está producida y organizada por el Consorci del Patrimoni de Sitges, que dirige Vinyet Panyella, con el apoyo del Ajuntament de Sitges, la Diputació de Barcelona y  la colaboración del MNAC.

Koldo Sebastian Foto: Dolores García

Tal como otras veces hemos destacado al hablar de arte contemporáneo, nunca hay que olvidar que es un arte que se asienta sobre un concepto, por tanto son creaciones que conllevan una profunda y larga experiencia de elaboración conceptual antes que llegue a ser plasmado.
Este es uno de esos casos.



Koldo Sebastian, durante la presentación de su obra,  definió este proceso conceptual, desde la elección del alfabeto  utilizado para la creación – el cuadrado como área completa, su mitad y su cuarta parte – la coloración, de nuevo una tríada, surgida de los matices de los colores de las piedras del Cap de Creus, las cuales muestran unas variaciones en blanco zinc, gris pizarra y sombra natural, que son apreciables a veces cuando están secas y a veces cuando están mojadas.

Una de las obras expuestas Foto: Dolores García Martínez

A partir de aquí Koldo Sebastian ha creado unas composiciones que bien se podrían entender como rompecabezas que permiten todas las soluciones, porque también se encuentra implícita en su creación – tal como el mismo explicó – la idea que el maestro de Bramante (el arquitecto que proyectó la reconstrucción de la Basílica de San Pedro en el Vaticano) le había dado como regalo de despedida cuando se fue de su taller, ofreciéndole una  funda de cuero y diciéndole: “Cuando tengas un problema que no sepas como solucionar abre esta funda, pero no antes”; cuando Bramante la abrió encontró una regla y una nota: “si se puede medir, se puede solucionar”.

La exposición obtuvo una muy buena acogida por parte del público Foto: Dolores García

El nombre Calignometrias es un acrónimo que habla de perfección (cali), de ángulo perfecto (gnom) y de medida (metrias). El ángulo recto – el ángulo perfecto – se encuentra presente en el cuadrado, su mitad y su cuarto, es – por decirlo de alguna manera – la bisagra que permite hacer realidad la propuesta de Koldo Sebastian.

Koldo Sebastian yTeresa Baltasar, alma de Les Quintanes y gran artista..

Las obras exhibidas incluyen cuadros y volumétricos (el autor no quiere hablar de esculturas, aunque se trate de composiciones en tres dimensines), y son el fruto de diez años de trabajo.


Por lo que respecta a quien observa y quiere apreciar Calignometrias (o cualquier otra obra de arte contemporáneo) es fundamental entender que para disfrutar de las cosas no hace falta saberlo todo de estas cosas (una observación fruto de una anécdota vivida por el propio Koldo Sebastian en una visita al Japón).

Como conclusión del acto inaugural se sirvió un refrigerio en colaboración con las Cavas Jané Ventura del Vendrell.

La exposición estará abierta hasta el 26 de mayo en Las Quintanas – Casa Mas, 1 de Llorenç del Penedès.

Joan Sureda es doctor en Historia del Arte y catedrático de esta materia en la Universidad de Barcelona. Ha sido también director del Museu Nacional d’Art de Catalunya  (MNAC) y es miembro de los comités científicos del Museo Nacional del Pardo en Madrid y de la Fondazione Memmo Ruspoli de Roma.
A pesar que en principio estaba previsto otro tema, la reciente atención que la prensa a dado al “descubrimiento” de La Gioconda del Prado propició que fuera este el tema de la conferencia, en base a la cual se desarrolla esta post.
El Descubrimiento de La Gioconda del Prado.
Esta pintura ha formado parte del museo desde su fundación en 1819 y proviene de las colecciones reales.

Fue una petición del Louvre para que le fuera cedida y formase parte de la próxima exposición dedicada a  “La Última Obra Maestra de Leonardo da Vinci – Santa Ana”,  la que ha propiciado su salto a la popularidad.

Precisamente para que pudiera ir a esta exhibición, la obra fue sometida a una limpieza y restauración, fue entonces que se pudo comprobar que el fondo que había detrás del retrato, un fondo de color negro, ocultaba una pintura que contenía un paisaje muy similar – el más similar de los conocidos – al de La Gioconda del Louvre.

Al descubrir el fondo original se creyó que podía pertenecer a un discípulo de Leonardo y que fue pintado a la misma vez.  Una vez limpia se evidenció la diferencia de color, que es fácil de apreciar entre una y otra, pero esto puede ser también producto de la limpieza de una y del hecho que la del Louvre nunca ha sido limpiada. (No sería la primera vez que una restauración, que simplemente limpia la suciedad que con los años se ha acumulado deje en evidencia teorías sobre los tonos o la atmósfera que había pintado un autor y que en realidad eran fruto del paso del tiempo y la suciedad).

Isabelle d'Este

El Mito  Leonardo da Vinci
Una de las cosas que hay que señalar es que entorno a Leonardo hay mucho mito. Como pintor es cierto que se dispone de apuntes y dibujos, pero sobre las pinturas hay un buen número que le son atribuidas, pero tanto se pude hablar a favor como en contra de que sea el autor. En cambio sí que hay certeza en relación a cartones, apuntes, esbozos o textos que dejó.

Resiguiendo los pasos de “Las Giocondas”
Hacia el año 1492 (el mismo que el del Descubrimiento de América) Florencia ( y no sólo ella) vivía en medio de una gran crisis económica y una caída del sistema. Eran los tiempos en que murió Lorenzo de Medicis, y con él el humanismo que había imperado en el siglo XV.

Por eso Leonardo da Vinci se fue de Florencia a Milán, no tanto porque fuera reclamado como pintor, sino reconocido como ingeniero de máquinas de guerra. Es una época en la que los cuadros que se le atribuyen tienen fondos oscuros, de ahí que al principio hubiera dudas de cuando y donde se había pintado La Gioconda del Prado.

Cuando cae Milán en manos francesas,  Leonardo volverá a Florencia y será allí donde hacía 1503 pintará La Gioconda.

Ginebra Benci

Otros retratos de dama atribuidos a Leonardo da Vinci.
Retrato de Dama: se considera que se trata de Ginebra Benci (por el árbol de enebro que hay en el paisaje) que aproximadamente fue pintado entre 14747 y 1476 ( es decir unos veinte años antes que La Gioconda). Es un retrato ideal y parece evidente que el pintor sentía más interés por el paisaje y el contraluz. Hoy se encuentra en la National Gallery de Washington.

La Dama del Armiñó (1485-1490, hoy en el Czartoryski Museum de Cracovia), La Belle Ferronnière (1490 – 1495, hoy en el Museo del Louvre de parís; o el de Blanca Maria Sforza (1495-1496, se encuentra en una colección privada).

La Dama del Armiño

Aunque se considera que Leonardo da Vinci era homosexual, también se cree que se enamoro platónicamente de la Duquesa Isabelle d’Este (existe un cartón con su retrato datado en 1500). Isabelle d’Este le pidió que se quedase en Mantua, pero Leonardo volvió a Florencia, donde pintaría la obra sobre Santa Ana, motivo de la exposición que piensa realizar el Louvre y que ha destapado la existencia de  La Gioconda del Prado ´.

¿Quién fue La Gioconda?
Cuando Leonardo decide pintar La Gioconda elige una madera de álamo, de unas medidas algo mayores que sus otros retratos (77 x 53 cm). Se ha dicho que era un encargo del marido de La Gioconda, es decir de Francesco Bartolomeo del Giocondo; i es diría Lisa Gherardini. Por cierto “Mona Lisa” quiere decir “Señora Lisa”.  Lo cierto es que no hay ninguna prueba que sea así, ni que sea ella (ver las notas de la autora a pie de esta post). A más es muy extraño que este retrato, si era un encargo, lo tuviera Leonardo y viajase con él.  Analizado el cuadro parece más bien un ejercicio de retoques.

La Belle Ferronnière

El cuadro más famoso del mundo… por el azar de un robo y un verano sin noticias.
Lo que hizo famosa a La Gioconda del Louvre – después de casi cuatrocientos años como obra menor, rodeada de otras obras, como si fuera una más – fue  un hecho ajeno al arte.  Lo que la convirtió en una obra conocida en todo el mundo fue un robo.  El 21 de agosto de 1911 el cuadro fue robado del Louvre, un verano sin noticias en la prensa, así que se conviritó en el foco de esta, de manera internacional.

Y sucedió algo peculiar, la gente que visitaba el Louvre se quedaba mirando  donde había estado colgada La Gioconda, contemplando, parada delante, el espacio vacío en la pared.

La noticia se alargó en el tiempo, la prensa hizo reconstrucciones de cómo fue robada y también empezaron a correr rumores sobre quien o quienes eran los autores del robo. Y les toco recibir a pintores como Apollinaire, Picasso o Braque. Para añadir más leña al fuego, desde la parte política se empezó a hacer circularla idea de que el robo del cuadro era en realidad “el robo de la sonrisa de la mujer francesa”.

Un Mito Internacional
El cuadro se recuperó en 1914 en Italia, antes de volver a Francia se exhibió en diversas ciudades italianas, después todo el mundo quería ver el cuadro.

Acabada la II Guerra Mundial, en 1947 volvió al Museo del Louvre. Diez años después un hombre atentó contra ella, y de nuevo la prensa la puso en primera plana.

Su popularidad ha hecho que proliferen imágenes de personajes populares pintados o fotografiados como La Gioconda, desde el Pato Donal a Jackie Kennedy, incluso Johnny Deep vestido de Jack Sparrow. Tal vez por eso Umberto Ecco dice que esta pintura es “la obra abierta”.


Notas de la autora de la post.
Sobre el retrato de Bianca Maria Sforza se podría escribir una novela, desde la atribución de Kemp que defiende que es de Leonardo. Se vendió en Christie’s en 1998 y el hecho que este pergamino sobre el que está pintada parezca ser una hoja arrancada de un manuscrito del siglo XV, añade más motivos para dejar volar la imaginación entorno a esta obra. La niña que aparece en el cuadro, Bianca Maria Sforza, murió con trece años, poco después de haber contraído matrimonio.

Sobre La Gioconda: El Historiador de Arte Silvano Vicenti afirma que en realidad se trata del retrato de uno de los aprendices de Leonardo, que se llamaba Gian Giacomo Caprotti y que trabajó en el taller del pintor entre el 1490 y el 1510, al que daban el sobrenombre de “El Diablillo”, en cambio otros historiadores dicen que esto es solo una teoría más, de las muchas que giran alrededor de esta obra, incluyendo las que dicen que en realidad es un autoretrato de Leonardo da Vinci.

El retrato de Bianca Maria Sforza parece ser la hoja de un manuscrito escrito en el siglo XV, la pintura se atribuye a Leonardo da Vinci.

Otro atentado: En agosto de 2009 una señora – según algunos diarios, enfadada porque no le habían dado la nacionalidad francesa; según otros una turista rusa- lanzó una  taza, según unos diarios; o una infusión de té, según otros diarios; sobre el cristal blindado que protege la Gioconda en el Louvre.  De nuevo la prensa y la Gioconda se reencontraron alimentado aún más el mito.