Para Isaac [Stern>
Jaime Laredo
Sharon Robinson
Anna Polonsky
Mayumi Kanagawa
Celia Eliaz
FIMPC - VI
11:17
Para Isaac [Stern]
(FIMPC 2025 – VI)
Miércoles, 16 de julio de 2025
Sexto concierto
Auditorio Pau Casals
Jaime Laredo (violín)
Sharon Robinson (violonchelo)
Anna Polonsky (piano)
Mayumi Kanagawa (violín)
Celia Eliaz (viola)
Festival Internacional de Música Pau Casals
Crónica del concierto
Un concierto de gran belleza, de esos que te hacen sentir que la música se eleva y te produce una serena felicidad. Todo ello gracias a unas obras deliciosas y a unos intérpretes que trasmitían su enorme amor y reverencia por la música, además de poner en evidencia su indudable talento, unos altamente consagrados, otros reconocidos y respetados pese a su juventud.
El programa del concierto
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Sonata para violín y piano núm. 2 en La mayor. Op. 100
Antonin Dvořák (1841 – 1904)
Trio para piano, violín y violonchelo, en Mi menor, núm. 4 Op. 90. "Dumky"
Robert Schumann (1810 – 1856)
Quinteto para piano y cuerda en Mi bemol mayor. Op. 44
Los intérpretes
Jaime Laredo, violín
Sharon Robinson, violonchelo
Anna Polonsky, piano
Mayumi Kanagawa, violín
Celia Eliaz, viola
Jaime Laredo (violín)
Sharon Robinson (violonchelo)
Joseph Kalichstein (piano)
Antonin Dvorak (1841 - 1904)
Trio no 4 en Mi menor, Op. 90 "Dumky"
IV - Andante Moderato
Grabación de 1986
Auto-generated by You-Tube
Provided by MenuettoClassics
Compartido en YouTube el 10 de mayo de 2018
por Joseph Kalichstein Tema
Jaime Laredo
Sharon Robinson
Anna Polonsky
Anna Polonsky (piano)
Bella Hristova (violín)
Johannes Brahms (1833 - 1897)
Sonata para Violín en Re menor núm. 3 Op. 108
I - Allegro
Merkin Concert Hall at Kaufman Music Center
Grabado por Skillman Music el 25 de marzo de 2019
Compartido en YouTube el 15 de mayo de 2020
por Young Concert Artist
Ellos tres habían ofrecido el segundo concierto del festival. En esta ocasión actuaron acompañados por:
Mayumi Kanagawa
[Mayumi Kanagawa] Una bendición sin esfuerzo.... con un sonido casi de viola, transformó la agitación entre el genio y la locura del concierto para violín de Schumann en una belleza conmovedora
Frankfurter Allgemeine
Mayumi Kanagawa
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
Sonata para violín Núm. 1 en Sol menor. BWV 1001
I - Adagio
II - Fuga. Allegro
III - Siciliana
IV- Presto
Violín Stradivarius 1725 "Wilhelmj"
Grabación en directo
Nippon Music Foundation
The Association of Public Theaters and Halls in Japan
Ichinoseki Chamber of Culture
Compartido en YouTube el 30 de abril de 2025
por Sasakawa Music Foundation
Mayumi Kanagawa (1994). Estudió con Kolja Blacher (1963), Yoshiko Nakura (1945), Masao Kawasaki (1951) y Robert Lipsett (1947).
En el año 2014 ganó el concurso George Enescu (1881 – 1955); el concurso Long-Thibaud Crespin el 2018, y el concurso Txaikovski de Moscou el 2019. En el 2024 ganó el premio “Fresh Artist” de Nippon Steel.
Ha actuado con la Sinfónica de Praga, la Filarmónica de Bremen y con la Sinfónica de la Radio de Finlandia, entre otras. En su web nos informa que es embajadora del proyecto “Ribbon” en Japón para dotar de instrumento y educación musical a niños en casas de acogida. Además participa en programas de divulgación y ha visitado escuelas de todo el mundo.
Desde finales del 2023 imparte clases en la Hochshule für Künste de Bremen. Ese mismo año grabó su primer CD “Recital” con el pianista Giuseppe Guarrera (1991) con gran éxito de crítica en Japón.
Toca el violín “Wilhelmj” de Antonio Stradivari, de 1725, cedido por la Nippon Music Foundation. El violín lleva la etiqueta “Antonius Stradivarius Cremonensis Faciebat Anno 1725”. El nombre Wilhelmj se debe a que fue propiedad del violinista August Wilhelmj (1845 – 1908). Nippon Music Foundation adquirió el violín el año 2001.
Celia Eliaz, viola
Celia Eliaz (viola) - Mari Kato (piano)
Johannes Brahms (1833 - 1897)
Sonata para violín solo núm. 1 en Sol menor BWV1001
Vivace ma non troppo
Universidad Mozarteum Salzburg
Compartido en YouTube el 17 de junio de 2022
por Celia Eliaz
Celia Eliaz (1997). Inició sus estudios en el “Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela” (El Sistema).
Obtuvo el Título Superior en Música en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC). Además obtiene en la Universidad Mozarteum de Salzburgo los máster en viola y en Música de Cámara para Cuarteto de Cuerda.
Ha actuado con la Joven Orquesta Sinfónica de Caracas, y en la Orquesta Sinfónica Infantil de Venezuela a las órdenes de Sir Simon Ratler (1955); así como con la Jove Orquestra Nacional de Catalunya (JONC).
Obtuvo el segundo premio en el concurso Francesco Geminiani en Verona el año 2019, y el primer premio de la P. Hindemith Competition en la Universidad Mozarteum de Salzburgo, además del primer premio Gianni Bergamo Classic Music Award con el Beija-flor String Quartet en Lugano (Suïssa).
Ha cursado clases de máster con Domingo Mujica, Adriana Virgüez Cruz, Silvia Simionescu, Thomas Riebl (1956), Alexander Pavlovsky, entre otros. De entre sus profesores de viola, aún no citados, hay que destacar a Jonathan Brown (1974), admirado y reconocido violista profundamente ligado al Festival Pau Casals y que entre 2002 y 2024 formó parte del Quartet Casals.
El título del concierto
El concierto estaba dedicado a otro amigo de Casals: Isaac Stern (1920 – 2001)
Casals y Stern
La siguiente cita sobre Casals procede de las memorias de Isaac Stern:
“La mejor imagen que puede describir a Pau Casals es una pared y un jardín. Imaginate que de repente te encuentras delante de una pared y no sabes que detrás hay un magnífico jardín. Lo que hizo Casals fue abrir la puerta a ese jardín. Al entrar vamos descubriendo miles de colores y olores que no sabíamos que existían. Nos reveló lo que puedes conseguir una vez que estás en el jardín. Como crear tus propios colores y olores haciendo uso del poder de la imaginación musical, y esta es nuestra responsabilidad"
Isaac Stern
Isaac Stern (violín)
Marcel Tabuteau (1887 - 1966) (oboe)
Fernando Valenti (1926 - 1990) (Clavicenista)
Orquesta del Festival de Prades
Director: Pau Casals
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
Concierto para violín y oboe en Do menor, BWV 1060R
I- Allegro
Grabado en directo
Forma parte de la recopilación titulada "Prades & Perpignan, 1950 - 1952"
Auto-generated by YouTube
Provided by Naxos of America
Compartido el 3 de diciembre de 2020
por Isaac Stern Tema
Casals y Stern ase conocieron gracias a otro de los amigos del Maestro, a quien también se le dedicó un concierto en la edición 2025 del Festival Internacional de Música Pau Casals del Vendrell: Alexander “Sasha” Schneider (1908 - 1993), concierto del que más adelante publicaré el post correspondiente.
Schneider contribuyó de manera directa a que Casals aceptase dirigir el concierto homenaje del 200 aniversario de la muerte de Bach. En sus conversaciones acordaron incorporar jóvenes solistas porque consideraron que sería lo más adecuado.
Los elegidos fueron: Eugene Istomin (piano) y Isaac Stern (violín). Era el año 1950. A Istomin ya le dedicamos el post del segundo concierto y en el que quedó reflejada la importancia de su relación con Casals, y también la relación humana y musical que tuvo Istomin con Stern.
En la magnífica web dedicada a Istomin (Hay que dar las gracias a Bernard Meillat por la creación y gestión de esta magnífica web!) encontramos aspectos relativos al impacto que tuvo en Stern conocer a Casals, pero también el impacto que causo en Casals conocer a Stern.
Sabemos que Casals comparó a Stern con Eugène Ysaÿe, violinista a quien Casals admiraba enormemente. Istomin explicó que esta opinión de Casals inspiró a Stern.
La percepción que tuvo Casals obre Stern no estaba equivocada, como tampoco lo estaba su opinión sobre Istomin: los dos desarrollaron magníficas carreras como intérpretes.
Tocar con Casals en formato trio era un sueño de Istomin y de Stern. Les hubiera gustado poder constituir un trio con Casals, pero eso no era posible, por la firme decisión de Casals respecto a su actuación o mejor dicho su no actuación en los escenarios, excepto en Prades. Pudieron ver hecho realidad su sueño en dos ocasiones, en 1952 en el Festival de Prades en que interpretaron un trio de Brahms y el 2 de mayo de 1959 en el Festival de Puerto Rico de nuevo actuaron juntos, en este caso interpretando a Bach. (Ref. WoldCat - ArchiveGrid - Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos).
En opinión de Istomin "La sólida buena química entre Stern y yo se vió reforzada por nuestras colaboraciones con Casals"
Aquel deseo de formar un trío acabo por florecer unos años más tarde, pero incorporando a un gran violonchelista de una edad similar a la de ellos, se trataba de Leonard Rose (1918 - 1984)
Issac Stern (violín)
Orquesta de Filadelfia
Director Eugene Ormandy
Edouard Lalo (1823 - 1892)
Sinfonía Española Op. 21
I - Allegro non troppo
II - Scherzando: Allegro molto
III - Intermezzo: Allegro non troppo
IV - Andante
V- Rondo : Allegro
Filadelfia
1956
Compartido en YouTube el 30 de junio de 2024
por Classic&Opera
Isaac Stern (1920 - 2001)
[Issac Stern] Un virtuoso en perpétuo movimiento
Wall Street Journal
Nació el 21 de julio de 1920 en Krements (ciudad que hoy forma parte de Ucrania, pero que en el 1918 era parte de la República Ucraniana de Occidente, el 1920 de Polonia y el 1922 de la URSS; cosa que pone en evidencia la inestabilidad de la zona).
La familia de Isaac Stern era judia. Sus padres, Clara Jaffe y Solomon Stern eran músicos. Su madre había estudiado en el Conservatorio de San Petersburgo. Isaac Stern tenía diez meses cuando la familia emigró a Estados Unidos.
Un violinista excepcional desde la infancia
El primer instrumento que estudió fue el piano, guiado por su madre; tenía seis años. Pero a los ocho empezó a tocar el violín, con una calidad tan excepcional que actuó en público a los nueve años. Su debut con un recital fue con once años, y a los diecisiete interpretó el concierto para violín de Brahms con la Sinfónica de San Francisco dirigida por Pierre Monteaux y acompañado como concertino por Naoum Blinder (1889 – 1965), quien fue su principal maestro. El año siguiente debutó en Nueva York en el Town Hall, y finalmente el 8 de enero de 1943, con veintidós años, tocará en el Carnegie Hall. En Europa debutó el 1948 en el Festival de Lucerna (Suiza) dirigido por Charles Munch (1891 – 1968).
Stern y la música, vías de acercamiento cultural
Andy Lanset en WNYC explicaba (19 de septiembre de 2018) que el 3 de mayo de 1956 Stern hizo una gira por la Unión Soviética. Estados Unidos y la URSS estaban en plena Guerra Fría y hacía 10 años que ningún músico americano actuaba en territorio soviético. El primer concierto tuvo lugar en el Gran Conservatorio de Moscú acompañado por el pianista Alexander Zakin (1903 – 1990), y a continuación realizó una gira de un mes que lo llevó a Leningrado, Kiev, Bakú, Tiflis y Ereván para retornar a Moscú. En cada concierto se dirigía al público hablando en ruso.
En esta misma línea de la música vista como instrumento para ayudar al acercamiento cultural entre adversarios encontramos que dos años más tarde el pianista americano Van Cliburn (1934 – 2013) participó y ganó el primer Concurso Internacional Tchaikovsky en Moscú. En el web "The Cliburn", (dedicada al legado de este pianista, y que incluye la competición internacional Cliburn de piano), explica que el jurado consultó a Nikita Khrushchev para saber que había que hacer, porque el concurso había nacido para demostrar la superioridad cultural soviética; Khrushchev preguntó refiriéndose a Cliburn ¿“Es el mejor?”, y ante la respuesta añadió, "Entonces denle el premio".
Actuar En China
Justo un año después de que China y Estados Unidos reiniciaran las relaciones diplomáticas, Stern fue invitado a visitar China en un viaje de tres semanas. Este viaje se recogió en un documental “Mao to Mozart: Isaac Stern in China”. Era el año 1979.
Documental "From Mao to Mozart: Isaac Stern in China"
Documental del viaje de Isaac Stern en China
Compartido en YouTube el 12 de enero de 2025
per padroi
Actuar en Israel
En 1967, pocos días después de acabar la Guerra de los Seis días, Stern junto con Leonard Bernstein y la Orquesta Filarmónica de Israel actuó en la Montaña Scopus (Har Ha Tsofim).
En la Montaña Scopus se había desarrollado una batalla feroz durante la guerra que enfrentó a Israel con Egipto, Jordania y Siria. Esta montaña es un punto desde el que se puede contemplar Jerusalén y que ya había sido utilizado en el año 66 d.C. por los romanos para contemplar los ataques que realizaban sobre la ciudad. Hoy en esa montaña se encuentran la Universidad Hebrea de Jerusalén, los Jardines Botánicos, el Cementerio de Guerra Británico, el Cementerio de la Colonia Americana, el Cementerio Bentwich, la Academia de Arte y Diseño Bezael y el Hospital Hadassah (que no se ha de cofundir con el Centro Médico Hadassah en Ein Kerem, en cuya sinagoga se encuentran las famosas vidrieras de Marc Chagall (1887 - 1985) dedicadas a los doce hijos de Jacob, y con ello a las doce tribus de Israel).
Es un documental del año 1967 sobre Israel y
sobre la visita de Stern y Bernstein,
así como del concierto que ofrecieron.
Se grabó poco después de acabar la Guerra de los Seis Días.
Un fragmento del concierto se puede ver entre los minutos 46 y 58.
Entre los minutos 60 y 66 se ve y escucha un
fragmento de la Segunda Sinfonía de Mahler,
tras ese minuto la sinfonía continua
pero se ven imágenes de las consecuencias de la guerra,
campos de sepulturas, heridos, personas llorando, desplazados...
luego la imagen retorna al teatro al aire libre donde se celebraba el concierto para ver el final del mismo.
En el concierto intervinieron:
Isaac Stern (violín)
Leonard Berstein (1918 - 1990) (director)
Jennie Tourel (1899 o 1900 - 1973) (Mezzo-soprano)
Netania Davrath (1931 - 1987) (soprano)
Israel Philharmonic Orchestra
Tel Aviv Philharmonic Choir
El programa del concierto:
Félix Mendelssohn (1809 - 1847)
Concierto para violín en Mi menor Op. 64
Gustav Mahler (1860 - 1911)
Segunda Sinfonía (Resurrección)
Compartido en YouTube el 2 de febrero de 2022
por Peleg Levy
El 6 de octubre de 1973 durante el Yom Kippur [*], Egipto y Síria (que tenían el apoyo material de la URSS) atacaron Israel. Estados Unidos dio apoyo material a Israel a partir del 10 de octubre. Durante este conflicto Stern viajó a Israel donde ofreció conciertos en hospitales, además cofundó el Jerusalem Music Center, junto con Teddy Kollek (1911 – 2007), que era alcalde de Jerusalén, además contaron con el apoyo de la Fundación Rothschild y la Fundación Jerusalén, la finalidad principal era (y continua siendo) dar soporte a jóvenes músicos de Israel, así como ofrecer conciertos de gran nivel en Jerusalén.
Una de las consecuencias de esta guerra fue la crisis del petroleo que causó un incremento de cuatro veces el precio del barril y que tuvo un gran impacto en la economía y el mercado laboral mundial. En 1979 se firmó el tratado de paz entre los países beligerantes.
Este breve documento corresponde al dia 23 de febrero de 1991,
fue filmado durante la Guerra del Golfo.
Se centra en un concierto que estaban ofreciendo
Isaac Stern, Zubin Mehta (1936)
y la Orquesta Filarmónica de Israel en el Teatro Jerusalén.
El concierto tenia finalidades solidarias.
Estaba sonando el Concierto núm. 3 para violín y orquesta de Mozart,
cuando empezaron a sonar las sirenas de alarma.
El concierto se interrumpió.
Los músicos se retiran del escenario,
mientras el público se ponía máscaras antigás.
Inesperadamente Isaac Stern vuelve al escenario y se pone a tocar.
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
Sarabanda de la Partita núm. 2 en Re menor, BWV 1004
Stern confiaba en que Saddam Hussein
no atacaría Jerusalén debido a los
lugares sagrados musulmanes,
así como por la numerosa población palestina
que la ciudad acogía.
Compartido en YouTube el 17 de enero de 2012
per Laurent Touil-Tartour
Apoyo a nuevos talentos musicales
Isaac Stern tuvo una gran implicación en el apoyo y desarrollo de las carreras de nuevos talentos musicales mediante talleres y clases magistrales.
En una entrevista con Bruce Duffie declaró que era imprescindible dar a los artistas creativos la oportunidad de fallar, porque no se podía conseguir la oportunidad de éxito sin tener la oportunidad de fracasar.
Una parte importante de la vida de Stern fue ofrecer estas oportunidades. En esta idea se encuentra una gran inteligencia emocional que parte de una realidad: no siempre se puede tener éxito, pero para tener éxito hay que intentarlo, y para intentarlo se requiere apoyo y resiliencia.
Siguiendo esta línea desarrolló el "Encuentro Internacional de Música de Jerusalén" en el Jerusalem Music Center, donde invitaba a intérpretes a participar como profesores.
Isaac Stern profesor
Muchos de los grandes nombres de consagradísimos intérpretes fueron alumnos de Stern, como
Emanuel Ax, Yo-Yo Ma, Itzhak Perlman, Pinchas Zukerman, Renaud Capuçon...
Grabación realizada con motivo del
60 aniversario del nacimiento de Isaac Stern.
En el concierto intervinieron
Itzhak Perlman (1967) y Pinchas Zukerman (1948).
Ambos habían sido alumnos de Stern
También partició la New York Philharmonic Orchestra
dirigida por Zubin Mehta (1936).
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
Concierto en Re menor para dos violines y orquesta, BWV 1043
Antonio Vivaldi (1678 - 1741)
Concierto en Fa mayor para tres violines, Núm. 34
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791)
Sinfonía Concertante en Mi bemol para violín, viola y orquesta.
Grabación de 1981
Compartido en YouTube el 31 de mayo de 2023
por JK Archives
El Cuarteto Ax-Stern-Laredo-Ma
Con otros dos de sus alumnos: Yo-Yo Ma (1955) y Emanuel Ax (1949), Stern creó un cuarteto que completó con Jaime Laredo (1941). Todos ellos eran y son reconocidos solistas. Durante quince años actuaron justos y realizaron un gran número de grabaciones.
Jaime Laredo (1941)(violín)
Emanuel Ax(1949) (piano)
Isaac Stern (violín)
Yo-Yo Ma (1955)(Violonchelo)
Gabriel Fauré (1845 - 1924)
Cuarteto para piano núm. 1 en Do menor, Op. 15
I - Allegro molto moderato
Grabación de 1992
Compartido en YouTube el 30 de septiembre de 2015
por Yo-Yo Ma
Y el trio Istomin-Stern-Rose
Si el cuarteto Ax-Stern-Laredo-Ma nació de facto el diciembre de 1989, muchos años antes, a raíz de las relaciones musicales surgidas en la participación en el Festival de Prades de 1950 de Eugene Istomin e Isaac Stern, nació el trio Istomin-Stern-Rose.
Ludwig van Beethoven
(1770 - 1827)
Triple Concierto en Do mayor Op. 36
I- Allegro
Eugene Istomin (1925 - 2003) (piano)
Isaac Stern ( 1920 – 2001) (violín)
Leonard Rose (1918 – 1984) (violonchelo)
Pablo Casals (1876 – 1973) (director)
Festival Casals a Puerto Rico, 31 de Mayo de 1970
El trío se unió por primera vez en el verano de 1955 actuando en el Festival de Ravinia. Eran momentos en que en Estados Unidos la música de cámara no era demasiado apreciada.
Eugene Istomin (1925 - 2003), Isaac Stern y Leonard Rose (1918 - 1984) eran tres grandes solistas que se unían para interpretar música de cámara, con las dificultades que esto suponía. Lo hacían con la firme idea de que la música de cámara era tan importante como las sinfonías o los conciertos.
No eran un trío permanente ya que cada uno de ellos tenía también su carrera individual, pero a la vez fueron un trío de larga trayectoria y con una fructífera producción en conciertos y grabaciones.
Fueron uno de los grandes tríos musicales y en gran medida fueron herederos del trío Cortot-Thibaud-Casals.
Salvar el Carnegie Hall
En todo el mundo la música realza una sala, con una excepción:
el Carnegie Hall realza la música.
Issac Stern
Stern tuvo con el Carnegie Hall una relación muy duradera en el tiempo y muy destacada en todos los sentidos. Como intérprete ofreció más de doscientas actuaciones entre 1943 y 2001. Además, se implicó directamente en la campaña para evitar que el Carnegie Hall fuese destruido en 1960.
En la página web del Carnegie Hall, se pueden encontrar muchos e interesantes relatos que explican la historia de esta sala. Así podemos saber que fue inaugurado en 1891; y que en ella han actuado, entre muchos otros, Tchaikosky, Mahler, Dvořák, Bartók, Gershwin, Ellington...
Pero a raíz de la inauguración del Lincoln Center el año 1956 la sombra de desaparición del Carnegie Hall tomaba cada vez más densidad, era algo de lo que se venía hablando desde hacía años.
Ante este riesgo se creó el Comité para Salvar el Carnegie Hall a impulso de John Totten, que era vicepresidente del Carnegie Hall Inc., pero sólo pudieron recaudar 25.000 dólares, frente a los 5 millones que se estimaba harían falta para preservar el edificio. Todo indicaba que iba acabar demolido. Era el mes de mayo de 1960.
Pocos meses antes, en diciembre de 1959, Isaac Stern actuó en el Carnegie Hall, doce veces en cuatro días, con la Filarmónica de Nueva York dirigida por Leonard Bernstein. Durante esos días habló con Jacob Kaplan (1891 - 1987) para explicarle la tristeza que le producía saber que se acercaba el final de la histórica y prestigiosa sala.
Y fue a consecuencia de esa conversación que Kaplan le hizo una propuesta a Stern: él aportaría la financiación para una nueva campaña, pero la había de dirigir Isaac Stern.
Stern, además de ser reconocido como excepcional violinista, fue conocido por su capacidad persuasiva a través de la palabra. Pero él no fue consciente que tenía esa habilidad hasta que se involucró la campaña para salvar el Carnegie Hall.
El diez de enero de 1960 hubo una reunión en casa de Stern, participaron líderes de la sociedad civil, con la idea de promover que la ciudad de Nueva York comprara el Carnegie Hall. Kaplan se comprometió a aportar 100.000 dólares.
El proyecto tenía como primer objetivo convencer al alcalde de Nueva York Robert Ferdinand Wagner (1910 – 1991)(Wagner fue el 103 alcalde de la ciudad, con mandato entre 1954 y 1965), y para lograrlo se comprometían a que el Carnegie Hall no competiría con el Lincoln Center; pretendían que el Carnegie Hall fuese no solo la sala de la Filarmónica de Nueva York, sino también un centro nacional para la educación y perfeccionamiento musical de jóvenes artistas.
En aquellos momentos existía la Ley Bard de 1956 que permitía la protección de edificios con valor histórico, estético, de especial interés o de carácter especial. Se proponían también que se hiciera una enmienda impulsada por Stern y planteada por el Senador de Nueva York MacNeil Mitchel que permitiría la adquisición por parte de un organismo público, mediante compra o expropiación, de esos tipos de edificios.
En este punto era clave conseguir apoyos de la sociedad civil y de los músicos para que hubieran suficientes firmas de apoyo; las que se recogieron se unieron a las que ya se habían conseguido por parte del anterior comité.
El 10 de junio de 1960 se aprobó la compra por 5 millones de dólares y otros 100.000 para las mejoras. Pero el propietario del edificio redujo el precio a 250.000 $ contribuyendo con ello a facilitar que el proyecto se hiciera realidad.
El 26 de septiembre de 1960 se realizó la ceremonia de la inauguración.
El 1964 se declara Monumento Histórico Nacional y el 1967 se añade el de Monumento Histórico de la Ciudad de Nueva York.
Finalmente en 1986 quedaba totalmente restaurado.
En 1977 en honor a Stern la sala principal de conciertos recibió el nombre de Isaac Stern Auditorium.
Stern se despidió del Carnegie Hall el 9 junio de 2001 en un taller que llevaba su nombre y en el que participó como presentador; esta actividad constaba de tres conciertos abiertos al público.
Isaac Stern falleció el 22 de septiembre de 2001, tenía ochenta y un años.
En 2021, el Carnegie Hall celebró el centenario del nacimiento de Stern.
Hoy existe la Sociedad Isaac Stern en la que participan personas conocidas y ciudadanos anónimos con un compromiso permanente con el Carnegie Hall.
Este vídeo corresponde a un homenaje
por el centenario del nacimiento de Stern
emitido en directo por el Carnegie Hall.
(La fecha corresponde al período de tiempo de la
pandemia del COVID)
Se puede ver a Isaac Stern (mínuto 3:34 - 12:41)
interpretando el
Allegro del Concierto para violín núm. 3 de Mozart,
acompañado por la Orquestra de Cámara de la ORTF
dirigida por Alexander Schneider (1908 - 1993)
también declaraciones suyas en la
gala de reapertura de la sala
una vez totalmente restaurada.
Así mismo participan haciendo declaraciones
Emanuel Ax, Yo-Yo Ma, Itzhak Perlman, Jaime Laredo y
Pinchas Zukerman, quien interpreta (minuto 18:23 - 22:07)
el Scherzo de la Sonata para violín núm. 7 en
Do menor Op. 30 No2 de Beethoven;
también participan otros personajes ligados a Stern y al mundo de la música.
Compartido en YouTube el 20 de julio de 2020
por Carnegie Hall
Isaac Stern y el cine
La primera referencia que encontramos es en la película “De amor también se muere”, (el título original era “Humoresque”) (1946). Stern fue asesor, pero también era él quien tocaba el violín y de él eran las manos que se veían en primer plano. El protagonista era John Garfield (1913 – 1952) y la historia se centraba en la vida de un violinista. El título "Humoresque" hace referencia a una obra compuesta por Antonin Dvořák (1841 - 1904).
Este fragmento pertenece a la película "Humoresque".
John Garfield la protagoniza
en el papel de un violinista
y le acompaña el pianista y compositor
Oscar Levant (1906 - 1972).
La música de violín y las manos en los primeros planos
son de Isaac Stern.
Jean Negulesco (1900 - 1993) dirigió el film.
Compartido en YouTube el 22 de abril de 2015
por Daniel Kurganov (Violinista)
Como ya se ha dicho en uno de los párrafos anteriores, Casals comparó a Stern con Ysaÿe, y que Casals i Stern se habían conocido en 1950, pues bien, el 1953 Stern actuó en la película "Tonight we sing" en el papel del violinista Eugène Isaÿe (1858 - 1931). Se trataba de una producción sobre la vida del empresario Sol Hurok (1888 – 1974), quien fue representante de numerosos intérpretes.
Fragmento de la película "Tonight we sing" en la que
Stern interpreta el papel del violinista
Eugène Ysaÿe (1858 - 1931).
Le acompaña al piano Alexander Zarkin
(aunque su nombre no aparece en los créditos.)
Compartido en YouTube el 11 de enero de 2022
por David Sukonick
Su relación con el cine continuó, así en 1971 los solos de violín de la película "El violinista en el tejado" eran de Stern. Por cierto, la adaptación musical, orquestación y dirección de la orquesta estuvieron a cargo de John Williams (1932).
Créditos iniciales de la película
"El Violinista en el tejado".
La música de violín está interpretada por
Isaac Stern.
Compartido en YouTube el 14 de febrero de 2017
por Miguel
En otros casos se utilizaron como parte de la banda sonora interpretaciones en las que participaba Stern, como por ejemplo en "El talento de Mr. Ripley" (1999).
Esta música se utilizó como parte de la
banda sonora de la película "El Talento de Mr. Ripley" (1999)
Ax-Stern-Laredo-Ma
Ludwig van Beethoven (1770 - 1827)
Cuarteto para piano en Mi bemol mayor, Op. 16
II - Andante Cantabile
Compartido en YouTube el 25 de gener de 2017
por Yo-Yo Ma
Premios y reconocimientos
El año 1979 Stern protagonizó un reportaje dirigido per Murray Lerner, titulado “De Mao a Mozart: Isaac Stern en China”, que obtuvo el Óscar al mejor documental el año 1981.
1961 – Mejor interpretación clásica. Solista instrumental con orquesta. Béla Bartók (1881 - 1945) Concierto para Violín núm. 1
1962 - Mejor interpretación clásica. Solista instrumental con orquesta. Igor Stravinsky (1882 - 1971) Concierto para violín en Re.
1964 - Mejor interpretación clásica. Solista instrumental con orquesta. Serguéi Prokófiev (1891 - 1953) Concierto para violín núm. 1 en Re.
1970 - Mejor Interpretación Música de Cámara. Ludwig van Beethoven (1770 - 1827). Integral tríos para piano.
1977 - Mejor álbum de música clásica. Concierto del sigle.
1981 - Mejor interpretación clásica. Solista instrumental con orquesta. Isaac Stern Celebración del 60 Aniversari.
1991 - Mejor interpretación Música de Cámara. Johannes Brahms (1833 - 1897). Cuartetos para piano (Op. 25 y 26)
El año 1992, le fue otorgada la Medalla de la Libertad de los Estados Unidos, entregada durante la presidencia (1989 - 1993) de George H. W. Busch (1924 - 2018)
En la web Isaac Stern Legacy se indica que recibió la Legión de Honor de Francia (1990).
Así mismo la web del Kennedy Center se cita que entre otros Stern recibió el Premio de Música Albert Schweitzer (1975), “por una vida dedicada a la música y consagrada a la humanidad”.
Además en 1984 recibió el reconocimiento del Kennedy Center, en un acto, presidido por Ronald Reagan,que tuvo lugar en el Ala Este de la Casa Blanca. Durante el discurso Reagan citó una frase también muy conocida de Stern: Mi gran oportunidad llegó gracias a la fe y la confianza que personas particulares depositaron en mi trabajo, lo que aún hace más comprensible su apoyo a los jóvenes para el desarrollo de su talento musical.
Israel le otorgó en 1987 recibió el premio Wolf por: “ su imperecedera contribución humanística a la sociedad como artista y educador, que trasciende los límites de la interpretación musical”.
En 1997 el Gobierno de Japón le otorgó el tercer nivel de la Orden del Sol Naciente, por su pasión por ofrecer educación a las nuevas generaciones.
El año 2000 recibió el premio Polar Music en Suecia también por su compromiso con la educación de las nuevas generaciones en todo el mundo, destacando su: "actitud en relación al poder humanístico de la música".
En 1992 recibió el Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Harvard.
Así mismo recibió reconocimientos por parte de la Escuela de Música Jiulliard and Curtis y de las universidades de Yale, Columbia, New York, Johns Hopkins, Oxford y Tel Aviv entre otras.
Los violines de Isaac Stern
A lo largo de su carrera tocó diversos violines:
(Antonio Stradivari, 1644 – 1737)
(Carlo Bergonzi, 1683 - 1747)
(Giuseppe Guarniere del Gesù, 1698 – 1744),
hoy este violín lo toca Renaud Capuçon (1976)
Violín "Stern, ex Panette"
de Guarnieri'del Gesù' de 1737
En la web Tarisio se informa que
este violín aparece referenciado en una venta
realizada por Jean-Baptiste Vuillaume el 1847.
Así mismo explica que el violín
permaneció en París hasta el 1920
y que en 1944 fue comprado por Isaac Stern,
quien pagó por el violín 65.000 $;
unos 50 años más tarde lo vendió al coleccionista
David Fulton.
En la misma web aparece una entrevista con
Renaud Capuçon en la que dice sobre este violín:
"Tengo todas grabaciones y todas la fotografías:
una de ellas es con Pablo Casals fumando su cigarro
con este violín a su lado.".
Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787)
Melodía (Orfeo ed Euridice) Wq.30
Arreglo para violín y piano de Fritz Kreisler (1875 - 1962)
Renaud Capuçon (1976) violín
Jerome Ducros(1974) piano
Compartido en YouTube el 12 de mayo de 2009
por stanlefo
de Jean-Baptiste Vuillaume (1798 - 1875),
encargado el año 1840
por el príncipe y compositor Alexei Lvov (1799 – 1870).
(Font: Ingles&Hayday)
Un violín que es una copia del "Panette" de Guarneri del Gesù.
El violí lleva una etiqueta que dice: “Jean Baptiste Vuillaume à Paris “ y el número 1774 en su interior.
Formaba parte de un cuarteto que Vuillaume construyó para su yerno el violinista Delphin Alarad (1815 – 1888).
(Enllaç a la web de Tarisio donde aparecen los violines y arcos vendidos en 2003 y que habían sido propiedad de Isaac Stern)
realitzada por Samuel Zygmuntowicz (1956)
Pero el violín que le acompañó durante treinta años (1965 - 1995) fue el
“Ysaÿe Guarnerius” de Guarneri del Gesù del año 1740 que anteriormente lo había tocado Eugène Ysaÿe, (1858 - 1931). Ysaÿe le puso una etiqueta que decía que el instrumento había sido su fiel compañero durante su carrera; Stern también puso una etiqueta en el interior del violín que decía: "La mienne aussi" (también el mío). Pertenece desde 1995 a la
Nippon Music Foundation de Japón; Sergey Khachatryan lo toco entre 2010 y 2022, con este violín grabó las seis Sonatas Op. 27 de Eugène Ysaÿe.
Mozart, la casa de Issac Stern
El Concierto para violín núm. 3, en Sol mayor, K. 216 (1775) fue la obra de Mozart que más veces interpretó Stern; también fue el primero de los conciertos de este compositor que grabó (1950). “La música de Mozart es como un rayo X de tu alma, muestra que hay dentro y lo que no hay".
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791)
Concierto para violín núm. 3 en Sol mayor K216
I - Allegro
II - Adagio
III - Rondeau: Allegro
Isaac Stern (violín)
Columbia Chamber Orchestra director Isaac Stern
Nova York, 1950
A Stern le gustaba más que la orquesta fuera dirigida que no ser él mismo el director, pero este vídeo es un documento muy interesante porque, además de interpretar, dirige la orquesta.
Compartido en YouTube el 6 de mayo de 2022
por Classic &Opera.
Stern tenía la siguiente opinión sobre la música de Mozart:
María Dolores García Martínez
esguarddedona
Alexander Melnikov - Jean-Guihen Queyras
El último Beethoven y el joven Rachmáninov
(FIMPC 2025 – V)
Martes, 15 de julio de 2025
Quinto concierto
Auditorio Pau Casals
Jean-Guihen Queyras - Alexander Melnikov
Festival Internacional de Música Pau Casals
Crónica del concierto
A veces hacen falta pocas palabras para transmitir la experiencia de sentir un concierto que te transporta y te regala aquella desconexión del mundo, aquel adentrarse en un tiempo y espació que siendo el mismo en que estás viviendo, es absolutamente aislado y vacío de cualquier otra cosa que no sea la sensación que te transmite la música. Este concierto fue uno de esos casos.
El concierto fue vibrante. Las interpretaciones fueron brillantes. Y la sensación de estar viviendo un momento etéreo estuvo muy ligada a unos pianísimos ideales.
El programa del concierto
Ludwig van Beethoven (1770 - 1827)
Sonata para piano y violonchelo en do mayor, op. 102
núm. 1
Sonata para piano y violonchelo en re mayor, op. 102
núm. 2
Serguéi Rachmáninov (1873 - 1943)
Sonata para violonchelo y piano en sol menor, op. 19
Bis: piezas de Debussy y Chopin
Los intérpretes
Jean-Guihen Queyras, violonchelo
Alexander Melnikov, piano
Jean-Guihen Queyras - Alexander Melnikov
Ludwig van Beethoven
Variaciones Judas Macabeo
Cello Biennale Amsterdam, 2015
Compartido en YouTube - 17 de marzo de 2015
Jean-Guihen Queyras
[Jean-Guihen Queyras se caracteriza por su curiosidad insaciable, por la diversidad y por el enfoque firme en la música en sí misma
Interlude
Jean-Guihen Queyras (1967). Nació en Montreal (Canadá). Estudió con Claire Rabier y Reine Flachot (1922 – 1998) y asimismo en el Conservatorio Superior de Música de Lyon. También estudio música de cámara con Alain Meunier (1942) y posteriormente siguió sus estudios con Christoph Henkol (1946) y Tim Eddy [1] quien había sido alumno de Bernard Greenhouse (1916 – 2011), que a su vez fue alumno de Pau Casals.
[1]Tim Eddy ganó con los máximos honores el Concurso Internacional de Violonchelo Gaspar Cassadó, en Florencia, Italia, el año 1975. También actuó en diversas ocasiones en el Festival de Marlboro. Así mismo asistió a clases magistrales con Pau Casals, de quien dice:
“La forma de tocar de Casals se basaba en hablar con el violonchelo, con la mayor franqueza, desde una perspectiva muy visceral. Le interesaba más tocar con sentimiento que con belleza, todo y que su propia interpretación poseía un refinamiento y una finura increíbles. Su forma de tocar era tan audaz, directa y sencilla que, al verlo tocar, mi reacción fue: “¿Acaso podría ser de otra manera? Sus recursos técnicos encajan a la perfección con la finalidad musical".
(De la conversación de Tim Janof con Timothy Eddy, (julio de 2001) Revista Cellobello).
Queyras tuvo una larga colaboración con Pierre Boulez (1925 – 2016), especialmente como solista del Ensemble Intercontemporain creado y dirigido por Boulez.
Todos los críticos repiten que Queyras es un músico ecléctico y por eso ha colaborado con la Orquesta Barroca de Friburgo y con la Akademie fur Alte Musik de Berlin, y a la vez valora y aprecia interpretar música contemporánea, por lo que ha estrenado obras de autores del siglo XX como Ivan Fedele (1953), Gilbert Amy (1936), Bruno Mantovani (1974), Michael Jarrell (1958), Johannes Maria Staud (1974), Thomas Larcher (1963), Tristan Murail (1947) o Péter Eötvös (1944 – 20249.
Queyras es miembro fundador del Cuarteto Arcanto y forma parte del trio Faust–Queyras–Melnikov, del que forman parte, además de Queyras como violonchelista, la violinista Isabelle Faust (1972) y el pianista Aleksandr Mélnikov (1973). Como solista Queyras ha actuado con la Filarmónica de Munich, con la Orquesta Nacional Danesa, con la Orquesta de Cámara de París, con la Orquesta del Mozarteum, entre otras. La lista de sus conciertos se extiende desde Taipei (Taiwan) hasta Nueva York, de Buenos Aires a Londres y de Riga a Praga, solo por citar algunas poblaciones.
Jean-Guihen Queyras
Freiburger Barockorchester
Director: Pablo Heras-Casado
Robert Schumann
Concierto para violonchelo en la menor, Op. 129
DW Classical Music
Compartido en YouTube - 3 de octubre de 2020
Jean-Guihen Queyras es profesor en la Universidad de Música de Friburgo y es director artístico del festival Rencontres Musicales de Haute-Provence.
Queyras fue escogido Artista del Año por los lectores de Diapason, así como “Mejor Solista de Instrumento” en los premios Victories de la Musique Classique, unos galardones que destacan la excelencia, la creatividad y el virtuosismo de los artistas premiados.
Su compromiso con la situación de Ucrania le llevo el año 2024 a actuar con la Camerata de Kiev, así como a visitar y actuar en un hospital (Recovery Ukraine) donde se rehabilitan soldados heridos, también visitó y actuó en una clínica para niños que padecen traumas causados por la guerra. Y en 2025, después de ver el trato que Trump dio a Zelenski en su visita a la Casa Blanca, en que el presidente norteamericano quiso humillar al presidente de Ucrania, Queyras decidió donar el fruto de los cinco conciertos que tenía ese año en Estados Unidos, a la organización UNITED24, una plataforma oficial del gobierno de Ucrania para la recaudación de fondos de ayuda a su país, creada a iniciativa del presidente Zelenski.
El violonchelo de Queyras
Queyras toca el violonchelo “Kaiser” Stradivarius (Cremona 1707) cedido por Canimex Inc. Of Drummondville (Quebec).
Jean-Guihen Queyras en la "Casa Stradivari"
El texto que acompaña el vídeo dice que Queyras,
junto a once estudiantes de todo el mundo,
había visitado la Casa Stradivari haciendo que el violonchelo "Kaiser"
retornase a la ciudad que lo vió nacer, y que por la tarde,
en la Sala Mafei se celebraba el acto de clausura de la Clase Magistral que Queyras había ofrecido
y que estaba organizada por la Fundación Casa Stradivari,
en un evento del nuevo curso escolar, que unía
la música y el arte de construir instrumentos.
Quotidiano La Provincia di Cremona
Compartit a YouTube - 14 de noviembre de 2025
Existe una web, Tarisio, que proporciona información de los instrumentos (tiene más de 36.000 referencias) que los grandes luthieres han ido creando a lo largo de los siglos y que aún se encuentran en activo. Entre otras cosas ofrece datos de quienes han sido los sucesivos propietarios o intérpretes que los han utilizado. Por lo que se refiere al violonchelo Kaiser no hay datos (podrían existir en las páginas reservadas que no están abiertas al público). Tampoco he encontrado datos por otras vías. Por ello no puedo indicar su historia como si he podido hacer con otros instrumentos en otros posts de los conciertos de este festival.
La relación entre intérprete y compositor según opina Queyras
Para Jean-Guihen Queyras es esencial "enamorase del universo del compositor”.
Amar Bach y admirar a Casals
En la entrevista publicada en el diario El País dijo en relación a una audición a ciegas del movimiento lento de la Sonata núm. 5 de Beethoven, que estaba interpretada por Pau Casals:
“...ningún violonchelista ha plasmado como él la esencia del ser humano en cada nota. Por eso te llega directamente al corazón, como cuando alguien te abraza y no hace falta hablar...”
Jean-Guihen Queyras - Alexander Melnikov
Serguéi Rachmáninov
Sonata en sol menor, Op. 19
IV - Allegro Mosso
Auto-generated YouTube
Provided por PIAS - 5 de mayo de 2022
Alexander Melnikov
Nacido en Moscú el 1973. Fue alumno de Lev Naumov (1925 – 2005) en el Conservatorio de Moscú, donde se graduó, y de Elisso Wirssaladze (1942) en Munich.
Ganó el Concurso Internacional Robert Schumann en Zwickay (1989) y el Concurso Internacional Reina Elisabeth de Bélgica (1991) en Bruselas.
Su repertorio es muy amplio, y va desde las músicas interpretadas con un criterio de base histórica hasta Shostakóvich, un recorrido que incluye Bach, Beethoven, Rachmáninov...
Alexander Melnikov
Freiburger Barockorchester
Director: Pablo Heras-Casado
Robert Schumann
Concierto para piano en La nenor, Op.54
DW Classical Music
Compartido en YouTube - 12 de septiembre de 2020
Mélnikov actúa con regularidad con la Orquesta Barroca de Friburgo, con Musica Aeterna, y con la Akademie fur Alt Musik Berlin. Ha actuado también como solista con la Royal Concertgebouw Orchestra o la Gewandhauserorchester de Liepzig, la Orquesta Nacional Rusa, la Filarmónica de Roterdam y la Filarmónica de la BBC, entre otras.
Con Jean-Guihen Queyras mantiene una intensa colaboración en música de cámara.
De la larga lista de grabaciones (51 discos en la fecha de escribir este post) hay que destacar el premio otorgado por BBC Music Magazine por los Preludios y Fugas de Shostakovich. Con Queyras tiene grabadas las obras completas por violonchelo y piano de Beethoven.
Las obras del concierto
El contexto en que fueron escritas las sonatas de Beethoven
Se dice que las dos sonatas de Beethoven fueron escritas pensando en el intérprete, Joseph Linke (1783 – 1837). Linke era el tutor de los hijos de la condesa Maria von Erdödy (1778-1837) a quien Beethoven dedicó las dos obras en la segunda edición de la mismas (1819).
Maria von Erdody era una de las mecenas de Beethoven. Se puede afirmar que ambos sentían una mutua admiracion; por eso hay quien considera que esas sonatas tenían como motivacion la gran estima que el compositor sentia por ella.
En las notas del programa del Ciclo de Sonatas para violonchelo y piano de Beethoven, de febrero de 1981 (Fundación March), escritas por Enrique Franco y Cecilio de Roda, aparece reproducido un fragmento de una carta de 1815 enviada por Beethoven a la condesa von Erdödy, en el que dice: "Nosotros, los seres finitos con un espiritu infinito, no hemos nacido para otra cosa que el dolor y la alegría, y casi se podría decir que los escogidos obtienen la alegría por el dolor".
Esta reflexión se puede entender mejor leyendo el artículo de Georg Predota en Interlude (18 de noviembre de 2015) en él se recoge que Beethoven arrastraba enfermedades y ansiedad desde el año 1812, además su sordera era cada vez más patente, a lo que había que añadir un período de problemas económicos, como colofón su hermano fallece en 1815 y se inicia un largo proceso judicial por la obtención de la custodia de su sobrino Carl; aspecto que aún se agraba más porque una vez que Beethoven la obtiene, su sobrino intenta suicidarse, un hecho que el compositor nunca pudo comprender. Por otra parte había perdido el contacto con la condesa von Erdödy que afortunadamente recobra en 1815, aspecto este último que la carta demuestra.
En esa carta se puede leer como la condesa estaba enferma y se había ido de viaje con destino a Jedlersee con el fin de recuperarse.Tanto Beethoven como la condesa compartian situaciones parecidas cuanto a salud y sufrimientos emocionales.
En otro artículo publicado también en Interlude, en este caso de Emily E. Hogsatd (4 de diciembre de 2025), se explica que la condesa, a consecuencia de una crisis de salud sufrida después de su primer parto, casi no se podía mover y que caminaba con extrema dificultad, cosa que persistiría toda su vida. Para ella la música, especialmente la de Beethoven, era un balsamo para sus problemas de salud.
En ese mismo artículo se destaca también la importancia del apoyo de la condesa a la vida profesional de Beethoven. Uno de los hechos que aparece en el artículo y que aún está más ampliado en otra publicación, en este caso de Jan Hendrik Neumann en Jérome (9 de febrero de 2019) es que Beethoven por muy poco no acabo siendo Maestro de Capilla en la ciudad de Kassel, en la corte de Jerónimo Bonaparte (1784 - 1860) a quien su hermano Napoleón había nombrado rey de Westfalia (1807 - 1813). Fue por iniciativa de la condesa y del barón Ignaz von Gleichestein que se unieron varios nobles y aristócratas para garantizar a Beethoven un salario que le permitiera quedarse en Viena. Se trataba de una pensión de 4000 florines anuales.
Una parte de los problemas económicos de Beethoven vinieron por esta vía, porque estalló la guerra, la inflación se disparó y sólo el archiduque Rodolfo mantuvo su aportación que era de poco más de 1300 florines al año.
Unas sonatas nada convencionales
Las obras tienen unas características que las convierten en rompedoras. Son muy diferentes a los esquemas tradicionales. Fueron muy chocantes para el público y para los críticos de la época en que fueron estrenadas, y sin embargo, para la generación romántica fueron unas obras fascinantes.
En la edición urtext de la Sonata en do mayor Op. 102 núm. 1 de G. Henle Verlag, aparece cita una crítica de 1818 (las sonatas son de 1815 y la primera edición es de 1817) en que se dice: “Sin duda [las sonatas] se encuentran entre las cosas más inusuales y peculiares escritas en mucho tiempo”
La denominación “urtext” significa que la edición parte de fuentes originales sin adiciones o alteraciones posteriores. Intenta ser lo más fiel posible a lo que el autor escribió, por ello parten de manuscritos, de primeras ediciones y si hace falta hacer alguna elección a la hora de editar la obras, esta elección o elecciones se justifican mediante un informe. De aquí que a veces se las denomina “ediciones histórico – críticas”. En este caso, la edición es de Jens Dufner (1971), la digitación para piano es de Ian Fountain (1970) y la digitación y utilización del arco para violonchelo es de David Geringas (1946).
Jean-Guihen Queyras - Alexander Melnikov
Ludwig van Beethoven
Sonata 5 en re mayor, Op. 102, núm. 2
I - Allegro con brio
Auto-generated YouTube
Provided por Harmonia Mundi
19 de noviembre de 2017
Las peculiaridades de la Sonata en do mayor Op. 102, num. 1
Beethoven escribió en ella el texto “Freie Sonate” que quiere decir sonata libre. De ella se ha discutido si estaba escrita en dos tiempos en lugar de las cuatro habituales o si se ha de interpretar sin diferencias los tiempos. En el concierto la pieza se estructuró en dos movimientos: I Andante – II Allegro vivace
La obra está dedicada al violonchelista Anatoliy Bradukov (1856 - 1930) quien la estreno en Moscú en diciembre de 1901, junto con el propio Rachmáninov.
Rachmáninov escribió esta sonata después de padecer una crisis nerviosa como consecuencia del fracaso de su primera sinfonía, que se estrenó en 1897 y que recibió duras críticas por ser innovadora, por alejarse de los conceptos habituales. Rachmáninov tenía 24 años.
Cuando en 1902 aparece publicada se titula como "sonata para piano y violonchelo", y es probable que la decisión del compositor de titularla así sea consecuencia del equilibrio en el protagonismo de los dos intrumentos. El piano no es un mero acompañamiento, son los dos instrumentos los protagonistas.
En la edición del disco del sello Hyperion dedicado a esta sonata realizada por Steven Isserlis (1958), violonchelo y Sir Stephen Hough (1961), piano aparece escrito que se trata de una obra con una sonoridad deudora de la música de iglesia rusa. (El texto que publican proviene de las notas de Steven Isserlis).
En otra edición, en este caso de Deutche Grammophon se afirma que es una sonata monumental, tan exigente y con tanto protagonismo para el piano como para el violonchelo. (Se trata de una grabación a cargo de Yuja Wang y Gautier Capuçon).
El título del concierto
Conocer el contexto en que fueron escritas estas sonatas ayuda a entender un poco mejor el título elegido para el concierto. Beethoven compuso las sonatas 4 y 5 cuando tenía 45 años y falleció a los 56, por tanto son composiciones de la última etapa de su vida; por su parte Rachmáninov compuso la suya a los 24, aún era un joven compositor que obtuvo reconocimiento y consolido su carrera.
Un aspecto en común en las tres sonatas
Son piezas que rompieron las teorías establecidas de lo que una sonata debía ser. Y es que la fuerza creativa tiende a superar los marcos establecidos, y es exactamente lo que ocurrió con estas composiciones.
María Dolores García Martínez
esguarddedona
Matteo Imbruno saludando al público en un momento del concierto
Captura de pantalla del vídeo del concierto
Compartido por la asociación
l'Orgue del Vendrell
María Dolores García Martínez
esguarddedona
Bach y la Europa de su tiempo
Cuarto concierto
Lunes, 14 de julio de 2025
Iglesia Parroquial del Vendrell
El intérprete
Matteo Imbruno (1964), nació en Pietramontecorvino (Italia). Estudio órgano con Liuwe Tammainga (1953 – 2021) en Boloña, con Bernard Winsemius (1945) en Rotterdam y con Martin Haselböck (1954) en Lübeck.
Es organista residente del Museo del Hermitage de Amsterdan, pero también lo es de la Oude Kerk en la misma ciudad, donde ocupa el mismo cargo que ocupó Jan Pieterszoon Sweelinck (1562 – 1621), quien fue considerado el compositor, organista y pedagogo más destacado de Holanda hasta el punto de ser conocido como el Orfeo de Amsterdam por la importancia en el desarrollo de la música durante el periodo del primer barroco en su país.
Matteo Imbruno ha hecho grabaciones con órganos históricos de los Países Bajos e Italia. También es muy conocida su colaboración con Gustav Leonhardt (1928 – 2012) en la realización de recitales con dos órganos.
Pocos días después de su concierto en el Vendrell ofreció una clase magistral en el Monasterio de Montserrat, en el VI Curso de órgano que impartía Juan de la Rubia.
El programa del concierto
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Tocata y fuga en re menor BWV 565
Pablo Bruna (1611 - 1679)
Tiento de primer tono de mano derecha y al medio a dos tiples
Alexandro Marcello (1684 - 1750)
Concierto para oboe en re menor (transcrito por J. S. Bach)
Georg Böhm (1661 - 1733)
Padre nuestro que estás en el cielo
Nicolaus Bruhns (1665 - 1697)
Preludio en mi menor
Marin Marais (1656 - 1728)
Chaconne pour les Tritons
Grabación completa del concierto
Reproducido en directo el día 14 de julio de 2025 en YouTube
Compartido por la asociación l'Orgue del Vendrell
El órgano de la iglesia parroquial del Vendrell y la familia Casals
Hay una relación directa entre Pau Casals y el órgano del Vendrell. Para empezar su padre fue contratado para atender las necesidades técnicas del órgano y eso condujo a que se quedara a vivir en la ciudad y a que, dados sus conocimientos musicales, lo nombraran organista y maestro de capilla.
Por otro lado, Casals se implico en la restauración del órgano tanto para contribuir a ella como para evitar que el aspecto del instrumento fuese alterado y se conservase con las caracterísitcas de órgano barroco en lugar de dejar que le diesen un aspecto más romantico, como proponia el restaurador.
Además Casals toco ese órgano siendo niño.
Los organizadores del concierto
El concierto estuvo organizado por la Fundación Pau Casals, la asociacion de amigos l'Orgue del Vendrell, una entidad que ofrece conciertos cada mes para difundir el mágnifico patrimonio cultural que supose disponer de un órgano con estas características históricas y de calidad sonora. También formaban parte de la organización el Festival Internacional de Música Pau Casals del Vendrell, el Auditorio Pau Casals y el Ayuntamiento del Vendrell, además otras instituciones públicas y privadas que han colaborado o contribuido en su realización.
El título del concierto: Bach y la Europa de su tiempo
Era un título muy sugerente, por lo que me animó a preparar un post con ese título en el que intentar explicar como era Europa en tiempos de Bach, como era la música y en el contexto en que ésta se producía.
La previsión es publicarlo como punto final de la serie de posts sobre el Festival Internacional de Música Pau Casals del Vendrell de 2025.
En ese post aparecerán también las referencias a los compositores cuyas obras conformaron el programa del concierto.
David Dixon
Palomas de la Paz
Albert Bridge House - Manchester Central Convention Complex
Fecha: 14 julio 2018
Anar a la versió en català
Go to English version
Decía Pablo Casals que la música era el camino divino para decir cosas bellas y poéticas al corazón.
Escuchemos pues música, interpretémosla, difundámosla, para ayudar a decir esas cosas bellas y poéticas, para que se extiendan cuanto más mejor, y que nos sirva de clamor para pedir la Paz y la armonía; y para que nos ayude a desarrollar la capacidad de convivir y de respetar a los seres vivos.
La música escogida para felicitar estas fiestas es El Pessebre, el oratorio que compuso Pablo Casals.
(Un oratorio es una composición para orquesta, coro y solistas, que pese a su duración y pese a que explica una historia, se creo como pieza de concierto, no para ser escenificada).
Pau Casals
Oratorio El Pessebre
1943 - 1946
Poema de Joan Alavedra
Se estreno en Acapulco, México, el 17 de diciembre de 1960
Compartido en YouTube por Roberto Jo
En fecha 14 de enero de 2016
María Dolores García Martínez
esguarddedona
Navidad 2025
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| Conjunto de guitarras Escuela Municipal de Música Pau Casals - El Vendrell Foto: Sílvia Isach (@sinoca_studio) |
María Dolores García Martínez
(esguarddedona)
Viva la música de cámara
Tercer concierto
Domingo 13 de julio de 2025
Auditorio del Tívoli
(Escuela Municipal de Música Pau Casals - EMMPAC)
Concierto de alumnos de la Escuela Municipal de Música Pau Casals (EMMPAC) recordando Pau Casals y sus amigos.
Con la participación de Jaime Laredo
El programa del concierto y los intérpretes
- Conjunto de guitarras
Canciones españolas antiguas,
recogidas por
Federico García Lorca (1898 - 1936)
Nana de Sevilla, popular
(arr. Adrià Galindo)
Los cuatro muleros, popular
(arr. Maria Elena Casañas)
Las morillas de Jaén, popular
(arr. Àngel Agulló)
La tarara, popular
(arr. Jorge Cardoso)
Enrique Granados (1867 - 1916)
Danza española núm. 6
Rondalla aragonesa
(Arr. Enrique Lop)
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| Conjunto de guitarras en un momento de su actuación Foto: Sílvia Isach (@sinoca_studio) |
- Anna Casellas (flauta)
- Almudena Menor (piano)
Gabriel Fauré (1845 - 1924)
Sicilenne. Op. 78
- Ferran Herrero (piano)
- Alexander Reimer (piano)
Piotr Ilixt Chaikovski (1840 - 1893)
El Vals de las Flores (El Cascanueces)
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| Ferran Herrero i Alexander Reimer Foto: Sílvia Isach (@sinoca_studio) |
- Ingrid Merino (viola)
- Oriol Borrell (piano)
Johann Wenzel Kalliwoda(1801 - 1866)
Nocturno no 3 Op 186, para viola y piano
Giovanni Battista Pergolesi (1710 - 1736)
Nina
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| Ingrid Merino (viola) y Oriol Borrell (piano) Foto: Sílvia Isach (@sinoca_studio) |
- Arnau Bassas (clarinete)
- Simón Alonso (piano)
Witold Lutoslawski(1913 - 1994)
Dance Preludes
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| Arnau Bassas (clarinete) y Simón Alonso (piano) Foto: Sílvia Isach (@sinoca_studio) |
Vídeo de un ensayo de Simón Alonso en el escenario del Auditorio del Tívoli, de la EMMPAC
El encuentro con Jaime Laredo
Uno de los atractivos de este concierto era, además de poder escuchar a los jóvenes intérpretes de la EMMPAC, poder escuchar a Jaime Laredo, no solo interpretando música, también poder conocer sus opiniones, sus experiencias y sus consejos, en un encuentro al que asistieron tanto los estudiantes como el público presente en el concierto. Le acompañó en su regalo musical su esposa y gran violonchelista Sharon Robinson.
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| Jaime Laredo i Sharon Robinson Foto: Sílvia Isach (@sinoca_studio) 13 juliol 2025 |
Laredo y Robinson son dos músicos con una gran actividad, y son muy respetados tanto en los escenarios como en sus actividades docentes. Sin ir más lejos, unas semanas después de este encuentro ofrecieron en el Oberlin College & Conservatory (Pennsilvania. EEUU) una clase magistral conjunta, que además era de libre admisión.
Un concierto en el que García Lorca y Enrique Granados eran protagonistas
El fruto de la amistad era la definición que compartían todos los conciertos del Festival, así que es interesante explorar la relación entre Pau Casals y Federico García Lorca; y muy especialmente con Enric Granados, ja que es conocida la gran amistad que ambos Maestro mantuvieron .
Federico García Lorca (1898 – 1936)
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| Federico García Lorca Granada, 10 de febrero de 1919 Autor de la foto: desconocido Colección Fundación Federico García Lorca Dominio público |
Hemos de remitirnos a la investigación realizada por el filólogo Jaume Figueras y a la conferencia que en el año 2018 ofreció dentro de las actividades del Mes Pau Casals que organiza la Associació Musical Pau Casals del Vendrell, que en aquellos momentos estaba presidida por Jordi Guitart.
Enlace a vídeo de la Televisión del Vendrell donde se recoge el acto inaugural del Mes Casals y donde se desvela cuando y donde pudieron conocerse Lorca y Casals (En catalán).
En opinión de Jaume Figueras, Lorca y Casals pudieron conocerse durante un acto de homenaje a Margarida Xirgu (1888 – 1969), el 23 de octubre de 1935 en el Teatro Olimpia. Hipótesis que incluye una carta de Casals a Xirgu en que parece citar al poeta.
Figueras también destacó el hecho que tanto Lorca como Casals tenían una meta en común: conseguir que los clásicos llegasen a las clases obreras. Lorca en el ámbito del teatro, con “La Barraca”. Casals en el ámbito de la música, a través de la "Associació Obrera de Concerts", (Asociación Obrera de Conciertos).
Por otro lado, la historiadora y técnica de Cultura Àngels Santacana, en la presentación del que iba a ser el Mes Pau Casals aquel octubre de 2018, informó que existe una fotografía tomada en Uruguay en que aparecen Casals y Lorca, por lo que estaba probado que ambos se conocían.
Enlace a vídeo de la Televisión del Vendrell en que se informa de la existencia de la fotografia citada. (En catalán)
Enrique Granados y Campiña (1867 – 1916)
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| Enrique Granados y Campiña 3 de mayo de 1914 Autor de la foto: Agence de presse Meurisse Bibliotheque Nationale de France Dominio público |
Casals y Granados se conocieron el año 1891. Casals tenía quince años y Granados veinticuatro. Pese a la diferencia de edad se convirtieron en grandes amigos. Pocos años despues, en 1897, ambos, junto al violinista Mathieu Crickboom (1871 – 1947) realizaron una gira de conciertos por España.
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| Enrique Granados y Pau Casals Entre 1895 y 1900 Autor de la foto: Antoni Esplugas i Puig (1852 - 1929) Arxiu Nacional de Catalunya (Generalitat de Catalunya) Placa de vidrio, negativo de gelatina de plata Dominio público |
La muerte de Granados fue un golpe terrible para Casals, porque sentía una sincera amistad por el pianista y compositor.
Poco antes de esta tragedia Casals había visitado a Granados en Nueva York donde se iba a estrenar Goyescas. Granados no se encontraba bien, hasta el punto de no poder hacerse cago personalmente de muchosaspectos del estreno de la opera. (Juan Ramon Jiménez, que estaba también en Nueva York a principios de 1916, explica que Granados vivía con ansiedad y con miedo constante; y la esposa de Granados, Amparo Gal escribió a sus hijos el 8 de enero, diciendo que a Granados había empeorado de su neurastenia).
Pese a ello, Granados y Casals ofrecieron para los Amigos de la Música de Nueva York, el 23 de enero de 1916, pocos días antes del estreno de Goyescas.
Sobre la gran amistat entre Casals y Granados encontramos un testimonio en en el artículo de Pablo L. Rodríguez publicado el 27 de marzo de 2016 en El País, y que lleva por título “El trágico abrazo final de Enrique Granados y su mujer”,afirma que entre todos los españoles, Casals fue el que más apoyo ofreció a Granados.
Goyescas se estrenó el 28 de enero en Nueva York con enorme éxito. Una consecuencia de ese éxito fue que Granados y su esposa, que tenían previsto volver a Europa el 8 de marzo, atrasaron el viaje para actuar delante del presidente Woodrow Wilson (1856 - 1924) en la Casa Blanca.
De retorno a Europa hicieron escala en Londres y desde allí tomaron un barco para viajar hasta Francia. Se trataba del vapor de viajeros Sussex, que fue torpedeado por el submarino alemán UB-29 en aguas del Canal de la Mancha, cuando se dirigía a Dieppe (Francia), eran las 14:50 del día 24 de marzo de 1916.
Los supervivientes pudieron resistir sobre una parte de la popa del barco que al ser estanca se mantuvo a flote y navegaron a la deriva 32 kilómetros, hasta que un barco de pesca francés los vio y se inició el rescate. La parte del barco que no se había hundido fue remolcado hasta Boulogne (Francia).
Pese a que hay fotos de los restos del Sussex, quizás produce más impacto emocional este dibujo de James McBey (1883 - 1959). La lámina se encuentra en la web del National Maritime Museum, Greenwich (Londres)
De las trescientos ochenta personas que viajaban en el Sussex, murieron cincuenta, ente los que fallecieron por el impacto, y entre los que se ahogaron bien porque cayeron al agua por la ola que levanto la explosión, bien porque se tiraron al agua por pánico al hundimiento del barco. El corresponsal de la United Press International John H. Hearley escribió una crónica sobre los hechos. (Enlace a una fotografía tomada en el barco después de ser torpedeado.)
(Enlace a la crónica de Hearley, en inglés)
El gobierno alemán negó el ataque, pero dado que existían por un lado los restos del torpedo y por otro lado los testimonios los supervivientes al final Alemania tuvo que reconocer los hechos, si bien se excusó diciendo que había sido un error del comandante del submarino. La importancia que tuvo el incidente fue tal que dio lugar a la llamada “Promesa de Sussex” por la cual los alemanes se comprometieron a no atacar barcos no militares, pero realmente no se aplicó.
Junto a Granados falleció su esposa Amparo Gal Lloberas (1870 - 1916) [1]. Tenían seis hijos que quedaron huérfanos. El dia del hundimiento se produjo una de esas extrañas coincidencias que a veces ocuren en la vida, porque Arthur Rubinstein (1887 - 1982) interpretó Goyescas en el Pala de la Música, en el concierto estaban presentes los hijos de Enrique Granados y Amparo Gal, aún no habían recibido la noticia de la muerte de sus padres. (Lo podéis leer en el artículo"El trágico final de Granados: naufragio por tocar en la Casa Blanca" de Jesús Ruiz Mantilla, publicado en El País el 22 de noviembre de 2018)
Amparo Gal era quien gestionaba la agenda musical de su esposo, era el sostén de la vida de Granados, tanto en los aspectos emocionales como en lo práctico.
Un concierto a beneficio de los hijos de Granados
El 7 de mayo de 1916 Casals participó junto con María Barrientos (1994 – 1946), Fritz Kreisler (1875 – 1962) e Ignacy Paderewski (1860 – 1941) en un concierto en benefició de los hijos de Enrique Granados y Amparo Gal, en el Metropolitan Opera House
La esposa de Paderewski, Helena María Paderewska [1] donó cien muñecas hechas por refugiados polacos, para ayudar a los hijos de Enrique Granados y Amparo Gal. Paderewska, junto a la que era esposa de Casals en aquellos momentos, Susan Metcalfe (1878 – 1959) y con la esposa de Kreisler, Harriet Lies (1869 - 1963), se pusieron en diversas puertas del teatro vendiendo las muñecas.
Helena Paderewska (1856 – 1934) era de origen polaco. Fue una persona extremadamente activa para conseguir ayuda para su país y sus gentes. Entre sus proyectos destaca la fabricación de muñecas que se vendían para obtener ayudas económicas para sus objetivos. (Está documentada la existencia de dichas muñecas al menos desde 1914). Con la ayuda de los emigrantes polacos en Estados Unidos fundó la Cruz Blanca Polaca y consiguió 20.000 voluntarios para ayudar a los refugiados de la Primera Guerra Mundial. Su biografía es un testimonio de su total entrega a estas tareas en ayuda de Polonia, que continuó una vez acabada la guerra. Entre otros logros consiguió que pudieran formarse médicos y enfermeras y también fundó la Escuela de Agricultura en el noreste de Polonia. También acogió exiliados en su casa de Suiza.
Fotografía de las muñecas hechas por refugiados polacos en París
Eran vendidas a beneficio del Fondo de Ayudas para las Víctimas de la Guerra en Polonia
Fechada en 1915
Autor: Bain News Service
Dominio público
En el artículo de Walter Aaron Clark, publicado en el Anuario Musical núm. 65 enero – diciembre de 2010, que lleva por título “The Death of Enrique Granados: Context and Controversy”, (La muerte de Enrique Granados: contexto y controversia) se describe cómo al final del concierto homenaje, con todas las luces apagadas, con una vela sobre el piano, Paderewski tocó la Marcha Fúnebre de Frédéric Chopin (1810 – 1835), mientras el público guardaba silencio.
A Casals le impactó fuertemente la muerte de Granados y lo expresó con una frase que afirmaba que aquel trágico suceso simbolizaba para él el desperdicio que era la guerra y la locura que era la guerra. La frase textual es: "This tragic event symbolized for me the waste and madness of the war" aparece en "Joys and Sorrows. Reflections by Pablo Casals (Alegrías y penas: Reflexiones de Pablo Casals). Una obra en que Casals habla de su vida. El libro se escribió en base a las grabaciones que hizo Albert E. Kahn, y se editó el año 1970 por Simon & Shuster.
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| Enrique Granados tocando el piano Escultura de Ismael Smith (1886-1972) Obra del año 1908 Museu Pau Casals Foto: María Dolores García Martínez (esguarddedona) |
De la relación de amistad y de colaboración musical entre Casals y Granados tenemos un ejemplo que se recoge en el libro “Enrique Granados in Context / Enrique Granado en contexto” (Asociación Cultural LEAL, 2020) en que se les dedica un capítulo con el título “Enrique Granados y Pau Casals. Una larga amistad y la construcción de un repertorio para violonchelo”; escrito por el musicólogo Xoán M. Carreria (1954) y el divulgador musical en redes sociales Josep M. Rebés (1955).
Otro testimonio de esta amistad fue la exposición “Contrapunto. Enrique Granados – Pau Casals” que fue exhibida del 2 de diciembre de 2004 al 23 de enero de 2005 en la Sala Polivalente del Museu Pau Casals y que después realizó un recorrido por diversas poblaciones de Catalunya. En el programa de la exposición se recoge el siguiente párrafo:
Esta muerte prematura significaría el final terrenal y la continuación espiritual de una amistad en forma de contrapunto, que convierte una vez más las figuras de Granados y de Casals en excepcionales.
Vídeo sobre l’exposición “Contrapunto: Enrique Granados – Pau Casals” con numerosas fotografías de ambos
Fundació Pau Casals
Producción vídeo: Linus Urpí
Música: Enrique Granados. Goyescas, H. 71. Intermezzo (Arr. Gaspar Cassadó (1897 - 1966) para violonchelo y piano)
19 abril 2021
Las relaciones de Casals con el resto de compositores del programa
Gabriel Fauré (1845- 1924)
Hay una foto en que aparecen Fauré y el trio Casals-Cortot-Thibaud, dedicada y firmada, tomada en la "Ecole Normale de Músique", después de un ensayo. El trio interpretó el 21 de junio de 1923, delante del compositor, la que sería su penúltima obra, Trío Op. 120. De nuevo las fuentes no hablan de una amistad sincera entre Casals y Fauré.Es necesario añadir que Casals hizo una adaptación para violonchelo de la obra de Fauré "Après un Rêve".
Gabriel Fauré: Après un revê
Pau Casals, violonchelo - Nikolai Mednikoff, piano
1927
Compartido en YouTube por Classics&Opera
con fecha 20 de marzo de 2023
Piotr Ilich Tchaikovsky (1840 - 1893)
No consta que Casals conociese personalmente a ninguno de los otros compositores que formaban parte del programa del concierto. Pero si que es conocido que Casals grabó obras de Tchaikovsky.
La sede del tercer concert del FIMPC 2025: la Escuela Municipal de Música Pau Casals
La vocación de formar jovenes músicos i la de ofrecer la oportunitat de aprender música a personas de todas les edades.
La Escuela de Música Pau Casals del Vendrell nace de la energia vital que en relación a la música (y con la cultura en general) que existe en el Vendrell, y sobretodo de las personas que la canalizaron para convertirla en una realidad.
La escuela es un centro público municipal que inició sus clases el 3 de febrero de 1986. Préviamente se estableció un convenio con la Generalitat de Catalunya i también se contó con el apoyo de la Obra Social de la Caixa de Ahorro Provincial de Tarragona .
Fachada de la primera sede de la EMMPAC del Vendrell en la calle Isidre Ribes
Sobre la elección del nombre no hubo duda: Pau Casals, porque además no dejaba de ser una de las metas que se había planteado la Associació Musical Pau Casals impulsada por Josep Altet y Font (1920 – 2003) (medalla de la ONU, Cruz de Sant Jordi, 1999 de la Generalitat de Catalunya e Hijo Predilecto del Vendrell, 2010).
La primera sede de la escuela estuvo en calle Isidre Ribes, en un inmueble de 300 m2 que llego a acoger 300 alumnos; pero el éxito del proyecto y la continuada petición de nuevas plazas hizo que la escuela necesitase más aulas y más profesores. Los primeros profesores fueron:Albert Solé,(primer director de la escuela), Carlota Baldrís(quien también fue directora), Margarita Güell, violín y Andreu Guasch y Padró, piano.
Visita de Marta Casals Istomin y del violonchelista Mstislav Rostropovich (1927 - 2007) a la EMMPAC
La fotografia muestra el encuentro con el Cor de Veus Blanques (Coro de Voces Blancas), que iba a actuar, dirigido por Montse Meneses, en los actos del sepelio de Eugene Istomin el 16 de octubre de 2003, en el cementerio del Vendrell
Foto: Carlota Baldrís
De cine a escuela
El actual edificio que acoge la EMMPAC, (con el área de clases y actividades, el Auditorio del Tívoli (capacidad 333 personas), el auditorio Cohi i Grau (capacidad 120 personas) [1], la Sala Polivalente (capacidad 60 personas), y la biblioteca) se halla en el mismo emplazamiento que ocupaba El Tívoli, un espacio en que se realizaban todo tipo de actividades culturales, recreativas (por ejemplo bailes), deportivas (fue sede del Club de Deportes del Vendrell) y servicio de cafetería, pero sobretodo es recordado por la sala de cine.
[1] Agustí Cohi Grau (1921 - 2012) hijo del Vendrell, compositor, músico y pedagogo; creador de la beca Cohi Grau, que desde 2005 se otorga a un alumno o un conjunto de la EMMPAC
El Tívoli había iniciado sus actividades el año 1876 y dejó de funcionar a inicio de los años 90 del siblo XX. En el año 2002 se abrieron las negociaciones con los propietarios para poder adquirir el Tívoli, demolerlo y construir la nueva sede de la escuela de música. El 2003 la propiedad pasa a ser del Ayuntamiento. En el curso 2009-2010 la nueva sede de la escuela fue una realidad.
Fachada de la actual sede de la EMMPAC
Foto: Linus Urpí
Finalmente, el 21 de junio de 2010 se celebró el acto inaugural con Lluís Claret (1951) y Marina Rossell (1954) y el coro Zóngora, nacido en la escuela, ante la presencia de quien en ese momento era el Consejero de Educación de la Generalitat de Catalunya, Ernest Maragall. L'escuela en aquel momento tenía 345 alumnos y 23 profesores.
Auditorio del Tívoli
Foto: Linus Urpí
Uno de los motores culturales del Vendrell y de la comarca del Baix Penedès
Con motivo del 30 aniversario de la EMMPAC se estrenó la Cantata “L’Ànell Màgic” (El anillo mágico) de Albert Solé, con la participación de 200 cantantes, 50 músicos (entre alumnos y profesores), tres solistas además de los bailarines del Aula de Danza de la escuela. Montse Meneses dirigió la cantata. Meneses estudió en la EMMPAC, y posteriormente en los Conservatorios de Tarragona, Badalona y Barcelona. Hoy es la directora del Cor de Noies del Orfeó Català, (coro de niñas), del coro de Veus Blanques (voces blancas), del coro Zóngora y de la Coral Cantiga de Barcelona.
L’experiència de crear una cantata es va repetir per celebrar els 35 anys. Aquest cop l’obra va ser de Xavier Sanjuan (lletra) i amb música de Jordi Cornudella, el nom de l’obra : “Tot és música”. Va ser interpretada el juny de 2022, i va ser enregistrada per RTVelVendrell.
La EMMPAC continua sus actividades, siempre com el deseo de ofrecer nuevas y mejores oportuniddes a quien quiera aprender música con un alto nivel de calidad y con una relación directa con los valores que defendía Pau Casals, haciendo realidad la idea del Maestro que afirmaba que la música es la manera divina de decir cosas bellas y poéticas al corazón.
En la actualidad la dirección de la escuela la desarrolla Emi Recasens Collado, que cuenta con Xavi Font Rius como jefe de estudios y con un equipo humano que ofrece formación vocal, instrumental, y de danza.
Algunos nombres propios indeleblemente unidos a la EMMPAC
Albert Solé y Carlota Baldrís son dos personas cuya historia de vida está profundamente ligada a la escuela de música, ambos fueron en su día directores de la misma.
A Albert Solé se le dedicó el año 2023 un acto en reconocimient a toda una vida dedicada a la música y al Vendrell, aunque la música nunca fue su profesión, aún siendo un excelente pianista, director de coro, y compositor.
Carlota Baldrís, compositora, profesora de lenguaje musical y de armonía, es profesora en la escuela desde 1986 y fue directora de la EMPPAC de 1998 a 2010.
Una de sus pasiones es poner en valor el papel de la música en el desarrollo intelectual y emocional, así como contribuir a dar a conocer como nuestro cerebro reacciona con la música; por ello ha ofrecido diversos seminarios en el Museu Pau Casals, con la colaboración de especialista como Jordi Jauset y Eduard Ramos.
"Un viaje emocional: las suites para violonchelo de Bach"
"Comunicación, música y emociones"
"Neuromúsica, emociones y bienestar"
"Como impacta la música en nuestro cerebro"
Es una incansable compositora, Com a compositora és incasable, con obras como Cançó de l’Estrella (Canción de la estrella), en que puso música a un texto de Jacint Verdaguer (1845 - 1902)
| Coral Polifònica de Vilafranca del Penedès Dirección: David Hernàndez Piano: Miquel Villalba (26-12-2022) |
Otro ejemplo es el Oratorio del Ángel de Tobias [1], que en cita textual del texto que acompaña el vídeo es:
...”un canto a la vida, la paz y la conservación del planeta. Un viaje emocional y una reflexión sobre la humanidad, la vida y la muerte, a partir de la voz de un ángel, un ser medio celestial y medio terrenal, que observa la tierra desde su campanario. Una pieza que evolucina cada vez que se interpreta, una experiencia trascendental, que fue recomendada por la UNESCO por su mensaje de paz y respeto al planeta Tierra y por sus valores universales" ”
[1] El Ángel de Tobias preside el campanario de la iglesia parroquial del Vendrell, y es un referente de la población.
| XVIII Festival de Música Religiosa de Vic Iglesia del Escorial de Vic Dirección: Montserrat Meneses (11-04-2022) |
Otro de sus proyectos ha sido componer 38 piezas, una por cada una de las flores del libro "Viatges i flors" (Viajes y flores) de Mercè Rodoreda; un proyecto de arte transversal. Es decir obras que se generan desde diferentes enfoques y que se plasman utilizando diferentes formas creativas de expresión pero que comparten el motivo que da origen a todas esas creaciones. En este caso un libro da lugar a música compuesta por Carlota Baldrís, a nuevos relatos escritos por Nati Soler, a cuadros pintados con acuarela de Camil·la Pérez Salvà y a perfumes de Esperanza Cases Prats. Cada una de ellas realizó las 38 composiciones diferentes que van ligadas a cada una de las flores que cita Rodoreda en su libro. Otro ejemplo de otra experiencia de arte transversal en que participó Carlota Baldrís, en este caso la inspiración de las obras fue la piedra seca)
Detalle del programa / cartel
